Neues aus dem Hause: Kaleidobolt
Auf ihrem fünften Album seit der Gründung im Jahr 2014 setzt das in Helsinki ansässige Ensemble auf seine Stärken als eindrucksvolles Power-Trio. Bei ihren beiden vorherigen Alben, 2019er „Bitter“ und 2022er „This One Simple Trick“, hatten sie alles, was ihnen zur Verfügung stand, in die Aufnahmen gesteckt, ohne mit Overdubs, Effekten und sonstigem Aufwand zu sparen. Wieder produziert von Niko Lehdontie (Oranssi Pazuzu), ist „Karakuchi“ das Ergebnis von eng einstudierten, live im Studio aufgenommenen Takes. Kaleidobolt erkennen, dass größere Sparsamkeit eine Stärke sein kann, und haben ihren Instrumenten mehr Raum zum Atmen gegeben. Das ergibt ihr erdigstes, reinstes und vielleicht authentischstes Album bisher.
„Karakuchi“ ist eine Platte, die man nach ihrem Cover beurteilen kann. Zum ersten Mal zieren die Gesichter von Kaleidobolt eine LP, und sie wurden in ein torpedoförmiges biomechanisches Fahrzeug verschmolzen. In Anlehnung an The Birthday Party’s „Junkyard“ oder Motörhead’s „Orgasmatron“ (…auf Acid?!), verkörpert die Illustration perfekt Kaleidobolt’s Agenda des „hyperkinetischen Rocks“. Ihr fiebriger, psych-prog Sound ist voller Bewegung. Er ruckt in unterschiedlichen Geschwindigkeiten, droht jederzeit außer Kontrolle zu geraten und in Flammen aufzugehen.
„Karakuchis“ überschwänglicher Stil entsteht aus den unterschiedlichen Hörgewohnheiten der einzelnen Mitglieder. Diese reichen von klassischem Prog über japanischen City Pop, Noise Rock, Post-Hardcore bis hin zu historischen Podcasts. Eine Platte, bei der sie sich alle einig sind und die das Zentrum des Venn-Diagramms bildet, an dem alle drei Mitglieder zusammentreffen, ist King Crimsons Red.
Was den Titel ihres neuen Albums betrifft, so passt er genauso gut wie das Coverartwork. „Karakuchi“ ist der Slogan der japanischen Biermarke Asahi Super Dry. Wörtlich übersetzt bedeutet das „scharf im Mund“. Als Konsumenten dieses Produkts erkennen Kaleidobolt die Parallelen zu ihren eigenen Songs. „Es ist sehr intensiv, direkt vorneweg, wie beim ersten Biss“, erklärt Menestrina. „Und dann hinterlässt es ein erfrischtes Mundgefühl. Der Geschmack bleibt im Grunde nicht im Mund. Es hat ein schnelles, hartes Ende. Mit ein wenig Dehnung haben wir gedacht, dass man das auch über unsere Musik sagen könnte.“
„Coping“ ist die zweite Single aus dem neuen Album. Der Gitarrist und Sänger der Band, Sampo Kääriäinen, erklärt die Geschichte dahinter. „Es ist schwer zu begreifen, wie sehr die Kaleidoboys mit ihrer zweiten Single „Coping“ zurück sind. „Coping“ ist eine Ode an Retro-Rock und alles, wofür er steht – das Gute und das Schlechte. Es erzählt eine vage Geschichte über jemanden, der sich nach einer amerikanischen Popkultur-Version einer Welt sehnt, die wahrscheinlich nie existiert hat. Eine Fantasie, die Trost spendet, aber es möglicherweise auch schwerer macht, etwas Schönes in der Gegenwart zu sehen.
Das Intro-Riff entstand, als ich Jukka Tolonens alten Verstärker ausprobierte, und von diesem Moment an schien sich der Rest des Songs von selbst zu entfalten. Der Song ist ein bisschen ein Außenseiter im Kaleidobolt-Katalog, da er mehr auf Akkordfolgen und Gesangsmelodien setzt als üblich. Aber während die Gitarre sanft weint, lässt sie den Schlagzeugern und dem Bass Platz, um richtig wild zu werden.“
Der Refrain zollt Arthur Brown Tribut, für den wir vor ein paar Monaten die Ehre hatten, als Vorgruppe aufzutreten. Ich kann euch gar nicht sagen, wie surreal es sich anfühlte, den Refrain bei dieser Show herauszuschmettern: „Arthur Brown lebt, ich kann immer noch bestehen…“
Außerdem wird es nicht allzu ernst genommen. Das ist schwere und komplexe Musik, ja. Aber wie Bassist und Co-Sänger Marco Menestrina es ausdrückt, ist die Einstellung von Kaleidobolt „eher ein hässliches Schmunzeln als ein wütendes Gesicht mit geballter Faust.“
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Quelle: Sure Shot Worx
